SEE IMAGES [1]
La série d’autoportraits qui font ma signature depuis 2001 procèdent d’un protocole conceptuel constant : toujours un même sujet (autoportrait), un même cadrage (frontal), un même éclairage (lumière indirecte), un même principe monochrome (mon visage, peint de la même couleur que le fond, tend à disparaître), un même format (carré).
Peinture, maquillage et prise de vue directe : ici pas de retouche digitale, pas de Photoshop. Une même figure donc se répète mais n’est pas identique à elle-même : plus elle se répète, plus elle diffère de soi ; plus c’est pareil, plus c’est différent.
Ce sont des portraits intemporels et « abstraits », c’est-à-dire dégagés de l’anecdote, du récit et de toute narration. Cette fixité particulière du sujet, cette indifférence, comme si l’image contenait en elle-même son absence de limites, répond à un très ancien procédé de temporalité infinie dans un cadre restreint qui remonte aux primitifs flamands et à l’école siennoise. Cette dimension d’infini est corrélée à un protocole conceptuel, un principe de répétition, une logique d’abstraction qui portent bien sûr ces autoportraits au-delà de la problématique de la représentation de soi : la réflexion ne porte pas sur la représentation de soi, mais sur les conditions de possibilité de la représentation.
J’ai voulu introduire dans mes œuvres une fonction d’altérité, de dissemblance, qui déterminent la signification d’une œuvre d’art. L’autoportrait est pour moi l’espace pour vous dire : tout ce qui n’est pas moi, voilà ce qui m’intéresse. La portée psychologique, la signification narcissique, l’implication sentimentale sont naturellement abolis. Loin d’affirmer la recherche d’une identité ou d’une origine, d’une appartenance ou d’une communauté, ces images croisant toutes sortes de significations ethnologiques tendent à être universelles.
C’est par cette aspiration à l’abstraction, à l’infini de la couleur, c’est par cette visée vers l’immatériel que chaque autoportrait s’impose comme un effacement, une transposition : une disparition. Être là où je ne pense pas être, disparaître là où je pense être, voilà l’important. Tel est le cogito de ces autoportraits : penser là où je ne suis pas, être là où je ne pense pas, ne pas penser là où est l’être, n’être pas là où je pense penser… Autrement dit : ne pas croire que l’identité, l’origine, l’appartenance soient le destin. Ne pas se soumettre aux stéréotypes du genre et au déterminisme de l’hérédité, rejeter la servitude volontaire… Lutter contre l’« état des choses », aller contre « ce qui est » : là est le sens même de l’art.
Au total, ce que toute image donne à voir, c’est que quelque chose échappe au regard. L’image, le tableau, la photo, qui ne représentent jamais qu’une absence, laissent à désirer : c’est ce manque dans l’image qui captive le regard. L’autoportrait affirme en somme la présence d’une absence : je deviens alors l’« absente de tout bouquet », je figure le manque qui se dissimule au cœur de toute représentation, je m’expose à la disparition de soi, je me livre à l’impersonnalité de la symbolisation. L’absence, le manque, l’effacement, c’est là ce que l’œuvre réalise, à la recherche sans fin de ce qui lui manque.
Quand le regard est fasciné, ce qu’il regarde dans l’image n’est pas ce qu’il voit, ce qui l’érotise est ce qui manque dans l’image, la cause de la fascination est à situer au-delà de ce que l’image montre. Ce qui apparaît dans la couleur unique de mes autoportraits, c’est l’absence devenue visible. Je m’en remets à l’inépuisable éclat de ce qui manque : le manque - aveuglant, invisible et vide - est ce qui définit cet au-delà que le regard désire précisément voir.
Kimiko Yoshida.